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SEIS PERSONAJES EN BUSCA DE AUTOR

 

TITUTLO ORIGINAL: Sei personaggi in cerca d’autore. Estrenada por primera vez en Italia en 1921.

 

TEMA

         Se trata, “del profundo choque entre el ser y el conocer, entre lo que el hombre conoce y lo que las cosas son en realidad. Y una de esas cosas que conoce, o trata de conocer, es su propio yo y el de los demás”. De aquí surgen diversos puntos de vista como pueden ser los idealismos, de que la realidad es como cada uno la ve o la hace. Otro puede ser el arte como una única realidad, es decir, vivir la vida como una ilusión y podemos agregar la verdadera naturaleza de la realidad y la ilusión.

 

ARGUMENTO

 

         Esta obra sin actos ni escenas, nos sitúa en un teatro donde se está llevando a cabo un ensayo. Tenemos al director, tramoyista y actores en plena representación, pero también a estos personajes en sus momentos de descanso, cuando dejan de actuar. Vemos el teatro desde dentro del teatro. La sorpresa llega con la aparición de seis personajes buscando quien los represente, quien ponga en escena el drama de sus vidas miserables. La situación que se plantea es tragicómica: nadie mejor que los propios personajes para ser actores de sus propias vidas. Sin embargo, no son actores ni poseen dotes de interpretación. La necesidad de unos actores profesionales, e incluso de un tetaro profesional ha quedado en entredicho.

 

PERSONAJES

 

Los personajes que participan se dividen en dos grupos: los de la comedia por hacer, donde aparecen el Padre, la Madre, la Hijastra, el Hijo, etc, y el grupo de la compañía, es decir, el Director, el Actor Primero, Primera Actriz, maquinista, Utillero, entre una cantidad más de personajes. Cada uno de ellos presenta diferentes características y padecerán de diversas cuestiones que aún se pueden apreciar en el mundo actual.

 

AUTOR

 

         Luigi Pirandello, nació en Sicilia (Italia) en 1867 y murió en Roma en 1936, fue dramaturgo, novelista y escritor de relatos cortos. En 1934 recibió el prestigioso Premio Nobel de Literatura.

         Nacido en el seno de una familia de clase media, pero con ascendéncia ilustre y fuertemente antiborbónica. Participaban activamente del movimiento conocido como el II Resorgimento, destinado a la unificación democrática de Italia.

Después de la unificación, el sentimiento de decepción de sus padres, provocó en el joven Pirandello una sensación de traición y resentimiento del que después extraería buena parte de la atmosfera emocional que caracteriza la mayoría de sus obras.

Recibió su educación en su propia casa como la mayoría de niños acomodados de la época. Rapidámente quedo fascinado por las leyendas y fábulas de tono mágico que su tutora le narraba. Ala edad de doce años escribió su primera tragedia.

La familia se mudo a Palermo en 1880 donde terminó el Liceo, especializandose en leyes y letras, y se enfrascó en la lectura de la poesía italiana del siglo XIX escribiendo también sus primeros poemas.

Se separa de su padre al descubrir que este mantenía una relación extramarital, esto provoca que se acerque más a su madre. Esta relación entre el y su madre se transformó en verdadera veneración y tuvo su punto culminante tras la muerte de ella en las páginas de la novela Colloqui con i personaggi de 1915.

Su obra seis personajes en busca de un autor, considerada de sublime, le dio reconocimineto y fama e incluso le transformó en uno de los autores más importantes de la Literatura.

         Precursor y máximo exponente de lo que suele conocerse como metateatro o, lo que es lo mismo, teatro dentro del teatro. Dentro de esta concepción, él mismo etiquetó tres de sus obras con el nombre de “edición definitiva del teatro pirandelliano”: Seis personajes en busca de autor, Cada cual a su manera y Esta noche se improvisa. En todas ellas asistimos a una representación teatral traspasada por la propia vida, fuera y detrás de la escena: directores, técnicos y actores pasan a ser personajes.

         Tras Pirandello, dramaturgos con Beckett o Ionesco, o novelistas/dramaturgos como Sartre y Camus, vieron claro que el teatro, lejos de representar la realidad de las personas, debe centrarse en transmitir cuál y cómo es la condición humana.

Tan complicado resultó en su momento hacer llegar al público lo que tamaña ruptura suponía con el teatro convencional, que en las obras de Pirandello vemos al propio autor explicando su teatro, justificando su por qué. Metateatro y “metaautor”.

 

TEATRO DEL ESPEJO

 

Esta obra forma parte del conocido “Teatro del espejo”, donde chocan el ser y el conocer. Según el propio Pirandello “Mientras un hombre vive, vive y no se ve a si mismo. Bien, pon un espejo frente a él y hazle verse a sí mismo en el acto de vivir. O bien se asombra de su propia apariencia, o aparta la vista para no verse, o escupe irritado a su imagen. En una palabra, surge una crisis, y esa crisis, es mi teatro”.

 

 

 

CORONADA Y EL TORO

AUTOR

Francisco Morales Nieva (dramaturgo, escenógrafo, director de escena, narrador, ensayista y dibujante) nació en ValdepeñasCiudad Real, el 29 de diciembre de 1924.

Académico de la Real Academia Española desde 1990, donde ocupa el sillón J, su producción teatral le ha valido el Premio Nacional de Teatro en dos ocasiones (1980 y 1992), el Premio Nacional de Literatura en la modalidad de Literatura Dramática y el Premio Valle-Inclán (2011), por la escritura y dirección de Tórtolas, crepúsculo y… telón.1 Por su producción literaria en general, se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 1992.

 

AÑO

La versión definitiva fue publicada en 1974. Se estrenó el 29 de abril de 1982 en el Teatro María Guerrero de Madrid con gran éxito.

TEMA

En Coronada y el toro Nieva funde su conocimiento de la cultura taurina, las costumbres españolas y la experiencia de la represión.

“Nieva conoce, como todos los españoles, las tardes de toros en muchos pueblos de España. Algo que dejó en mi memoria una impronta imborrable fue una tarde de toros en la Puebla de Mombeltrán, en las estribaciones de Gredos. (…) Era una tarde sombría, con unos nubarrones plomizos, como los pintaban Zuloaga o Solana. Comenzaban a descargar algunas gotas. Descuartizaban un toro al lado del coso, formado por carros y tablas. Se escuchaba un pasodoble ratonero y el latir del público.” http://www.francisconieva.com/obras/3.htm

ESTRUCTURA / ARGUMENTO

La acción comienza con la aparición de Zebedeo, alcalde de Farolillo de San Blas, que anuncia el inicio de los festejos populares. Presenta a su hermana Coronada, quien se rebela contra la opresión que sufre y denuncia la situación de dictadura en que vive el pueblo. Zebedeo ordena a sus alguaciles Panzanegra y Tenazo que la detengan. Sale Mairena, presentada por Zebedeo como una gitanilla patriota, adulando al alcalde; y poco después la Melga y la Dalga, que protestan por la situación y defienden a Coronada. Escapan de la escena perseguidas por los alguaciles.

Un trompetazo anuncia la llegada de todo el pueblo, con el cura don Cerezo delante. Zebedeo ordena que se extienda la manga de toros, un artilugio por donde debe salir el toro. Pero ante la sorpresa de todos, de la manga no sale un toro sino el Hombre-Monja, un personaje entreverado, que cuenta una historia fantástica. Zebedeo ve cómo se arruina su fiesta y le despide de malas maneras. Todos se sumergen en el aburrimiento y la penumbra. Zebedeo, muy enfadado, acude con su escopeta, y entre los disparos oscurece por completo. Entre los tropezones y gritos se oye el mugir del toro. En un rincón, se muestran en la penumbra el Hombre-Monja, la Dalga y la Melga. Se añade a ellos la figura arrastrada del torero Marauña.

Tras un oscuro y un torbellino sonoro, se muestra la alcoba de Coronada, quien recita un largo y espléndido monólogo, sólo interrumpido por la presencia de un toro que se refugia en sus habitaciones. Coronada siente en su sangre el instinto del sexo y la libertad. En el mismo espacio aparecen el Hombre-Monja, la Dalga, la Melga y Marauña. Así termina la primera parte.

En la segunda, Zebedeo descubre la presencia del toro en la alcoba de Coronada y jura llevar adelante su venganza. Coronada y los demás aceptan con resignación su propia muerte. Los alguaciles comprueban la muerte del toro escondido en la alcoba de Coronada y Zebedeo condena a los rebeldes. Irrumpe el pueblo y la Voz Cantante entona un miserere. Coronada, lanzando una heroica arenga, desaparece por una trampilla que simboliza su muerte. Zebedeo ordena que hagan lo mismo la Dalga, la Melga y Marauña. Pero entonces, el Hombre-Monja desata sus poderes y todos los “muertos” resucitan. Vestidos de blanco suben en el Toro de la Nieve y desaparecen triunfales

OTROS

“Ya desde 1949 había escrito teatro, pero sólo empezó a estrenarlo y publicarlo a partir de 1971.

La obra dramática de Francisco Nieva puede dividirse en dos grandes grupos, los que denomina “Teatro furioso” y “Teatro de farsa y calamidad”. Supone una reacción vigorosamente imaginativa y vitalista frente a la mediocridad del arte generado por las clases medias de la posguerra española, mediante un lenguaje y una escenografía barroquizantes y poderosamente mediatizados por el magisterio de Valle-Inclán, influjo que es sólo uno entre los múltiples que asume su originalísimo teatro.”  http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_Nieva#Teatro

 

“Se estrenó el 29 de abril de 1982 en el Teatro María Guerrero de Madrid con gran éxito. Nieva ya no era un desconocido en los escenarios españoles y el estreno de Coronada… supuso un espaldarazo definitivo y el reconocimiento indiscutible de su extraordinaria aportación a la creación teatral española. José Luis Alonso, por entonces director del María Guerrero, en un alarde de generosidad que Nieva agradece en sus Memorias…, le cedió al propio autor la posibilidad de dirigir la obra. Nieva seleccionó a algunos de los actores -como por ejemplo a Esperanza Roy para el papel de Coronada- y cosechó un gran éxito de público y crítica.”

http://www.francisconieva.com/obras/3.htm

 

Teatro del absurdo

El Teatro de lo Absurdo se refiere a la tendencia en la literatura dramática que emerge en el París de los años cuarenta y principios de los cincuenta, en especial, en las obras de Arthur AdamovFernando ArrabalSamuel BeckettJean GenetEugene Ionesco, y Jean Tardieu.

Sus raíces pueden encontrarse en las obras de “moralidad alegórica” de la Edad Media y en los autos sacramentales (dramas religiosos alegóricos) de la España barroca, en la literatura del no-sentido de autores como Lewis Carroll, en las obras de ensueño de Strindberg y las novelas de James Joyce y Franz Kafka, en el drama grotesco de Alfred Jarry; y en las farsas fráticas deGeorges Feydeau; obras qeu tuvieron como continuadores directos el Movimiento Dadaísta y el surrealismo de los años 20 y 30.

Una de las fuentes teóricas más potentes del Teatro del Absurdo fue El Teatro y su doble, obra de Antonin Artaud originalmente publicada en 1938.

El término teatro de lo absurdo o teatro absurdo proviene del uso filosófico de la palabra ‘absurdo’ por pensadores existencialistas como Albert Camus y Jean-Paul Sartre. Camus, en particular, decía que la humanidad tenía que resignarse a reconocer que una explicación complementamente racional del universo estaba más allá de su alcance; en ese sentido, el mundo debe ser visto como absurdo.

Los autores comenzaron a aglutinarse bajo la etiqueta de lo absurdo como una forma de acuerdo frente a la ansiedad, lo salvaje y la duda ante un universo inexplicable y recayeron en la metáfora poética como un medio de proyectar sus más íntimos estados. Es por ello que las imágenes del teatro absurdo tienden a asumir la calidad de la fantasía, el sueño y la pesadilla, sin interesarle tanto la aparición de la realidad objetiva como la percepción emocional de la realidad interior del autor.

Así, por ejemplo, la obra Días Felices de Beckett (1961) expresa una generalizada ansiedad del hombre sobre la aproximación de la muerte, a través de la imagen concreta de una mujer hundida hasta la cintura en el suelo en el primer acto y hasta el cuello en el segundo, mientras que en Rinocerontes de Ionesco (1960) se muestra la ansiosa preocupación acerca del esparcimiento de las inhumanas tendencias totalitarias mostrando a la población de una ciudad transformándose en salvajes paquidermos. 

                                                    ( http://enciclopedia.us.es/index.php/Teatro_del_absurdo)

El Teatro del absurdo abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos durante las décadas de 19401950 y 1960 y, en general, el que surgió a partir de la obra de aquellos. Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado, diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. El teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona la sociedad y al hombre. A través del humor y la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia su arte. La incoherencia, el disparate y lo ilógico son también rasgos muy representativos de estas obras.

                                                      (http://es.wikipedia.org/wiki/Teatro_del_absurdo)

 

COMPARACIÓN ENTRE FANDO Y LIS ( FERNANDO ARRABAL) Y ESPERANDO A GODOT ( SAMUEL BECKET).

INTRODUCCIÓN

 A continuación vamos a comparar las principales características de estas dos obras, debido a sus muchas similitudes. Nos vamos a centrar en las cosas mas relevantes ya que se ha realizado un análisis previo de ambas obras.

El motivo por el cual Fando y Lis puede hacer al lector evocar la conocida obra Esperando a Godot, es que el autor de la misma tuvo una gran influencia sobre Arrabal, que se evidencia especialmente en su primer teatro.

 PARALELISMOS

 La primera similitud que encontramos en las obras es que ambas tienen dos personajes principales: en la de Arrabal son Fando y Lis y en la de Beckett son Vladimir y Estragón. Mientras que a fando y Lis les une una relación sentimental de amor-odio, a Vladimir y Estragón les une la pobreza o la marginación por parte de la guerra.

 

Al introducir la relación sentimental entre Fando y Lis, Arrabal crea una diferencia notable; una trama dentro de la trama principal. En Esperando a Godot simplemente se espera a Godot sin más ocupaciones que esa y entretenerse mientras la llevan a cabo.

 En cuanto al argumento podemos encontrar una pequeña diferencia aunque bastante notable: Ambas obras no llegan a nada pero cambia la actitud con la cual buscan su objetivo.

En Fando y Lis, los personajes se dirigen en vano con todo su empeño hacia Tar, la ciudad prometida, en cambio en Esperando a Godot los personajes simplemente esperan lo que quieren, no van a buscarlo, se mantienen impasibles sin hacer nada ante la situación.

 También podemos observar diferencias en los principales objetivos de los personajes: En Fando y Lis, Todos los personajes coinciden en querer ir  a Tar, todos comparten su empeño por un mismo fin. En cambio en Esperando a Godot solo los dos personajes principales tienen el objetivo de encontrarse con Godot, los otros simplemente están con ellos y se entretienen mutuamente.

 A demás cabe destacar que en Fando y Lis, con la muerte de Lis se cierra el argumento dentro del argumento, mientras que en Esperando a Godot el final es una degradación progresiva de los personajes sin llegar a concluir su objetivo.

 Por ultimo añadiremos que ninguna de las dos obras, respetan las estructuras clásicas de lugar, acción y tiempo. Se nos presenta el devenir del tiempo, son una serie de secuencias inconexas sin ninguna otra función que ocupar el tiempo de espera. Tampoco hay coherencia narrativa; no existe un principio ni un nudo ni un desenlace.

 TEMÁTICA

 Podemos observar algunas similitudes en cuanto a la temática de las obras que estamos comparando. El Leitmotiv de Esperando a Godot es esperar, mientras que en Fando y Lis es proseguir el viaje hacia Tar. Como podemos ver ambas quieren llegar/esperar a algo o a alguien, y además coinciden en el hecho de la duda a cerca de la existencia de aquello a lo que quieren llegar/esperar.

 

 LENGUAJE

 En lo que al lenguaje se refiere, ambos autores tienen la intención de simplificar su escritura. Por lo tanto el lenguaje se convierte en algo pobre, naïf, llano, y las estructuras semánticas también se simplifican (pocas frases compuestas, introducción de juegos verbales,etc.).

Por este motivo se crea en el drama un mayor ritmo, dado que las frases seran más cortas, menos rebuscadas.

 SIMBOLISMOS

 Existen en las obras dos niveles de lectura: uno más argumental en el que entiendes lo que está pasando, y otro más profundo en el que a demás comprendes lo que el autor nos está intentando transmitir mediante los símbolos. Este segundo nivel es más personal y pertenece a lo que el lector pueda percibir del drama.

 Mientras que Tar nos remite a la felicidad, simbolizando el confort y un mundo utópico donde pasamos de una sensación satisfactoria a otra todavía más satisfactoria, Godot nos muestra la muerte y la desesperanza.

Por lo tanto Godot-Tar van unidos a esperar (personajes estáticos) y a caminar hacia (personajes en movimiento) respectivamente. Los que esperan se oponen pues, a los que van hacia. A pesar de esta aparente contraposición, no es posible intuir que dichas interpretaciones estén enfrentadas.

 Ambas obras constan de una estructura circular peligrosa que nos lleva a la nada, aunque en Arrabal cabe la posibilidad de romper con el circulo, no existe esta posibilidad en Beckett. Resumiendo, Godot no aparece y a Tar no se llega, sin embargo dada la actitud de los personajes, en Fando y Lis, cabe la posibilidad de llegar a Tar.

 Al hablar de los personajes, cabe destacar que en Arrabal, a pesar de ser ingenuos, no pierden la esperanza pese a sus dudas y siguen en su empeño de llegar a su destino. Este hecho nos lleva a dos posturas opuestas: Frente a la actitud optimista de los personajes de arrabal, la desilusión ante la existencia y el desengaño de Beckett. Por otro lado los signos de degradación que presenta la obra de Beckett, nos manifiestan la propia incomprensión del hombre hacia el hombre, su falta de fe para con la propia humanidad.

 CONCLUSIÓN

 Como bien hemos podido observar en este análisis, los dos dramas contienen bastantes similitudes, aunque también hay algunas diferencias (como la actitud de los personajes), que a pesar de ser pocas hacen que cambie completamente el sentido de ambas obras, es decir son las pocas pero importantes diferencias la que nos llevan a creer que son dos obras completamente distintas cuando en realidad no lo son. Lo que queremos expresar pues es, que las diferencias nacen de la propia similitud.